Recensione dello spettacolo Confini in scena al teatro Spazio Diamante di Roma dal 6 all’8 marzo 2026

Venti chilometri. Tanto basta su una app per far apparire un profilo come vicino. Eppure, questi venti chilometri che separano Israele dal Libano sono forse la distanza più corta e più insuperabile che possa esistere tra due persone. Ed è da questo paradosso, geografico, politico e soprattutto umano, che la pièce Confini prende vita, portando in scena il racconto coraggioso del drammaturgo israeliano Nimrod Danishman. 

Raccontare la geopolitica attraverso l’intimità 

Due i protagonisti: Boaz, ragazzo israeliano, e George, libanese. Si conoscono sulla app di incontri, si scrivono ogni giorno, si cercano e, inevitabilmente, si desiderano attraverso lo schermo di uno smartphone. Entrambi sanno che non possono incontrarsi, eppure continuano a sentirsi: il desiderio di amare non chiede il permesso alla storia, e l'attrazione tra due corpi non passa per i checkpoint di frontiera. Quando decidono di vedersi a Berlino , città scelta non a caso come simbolo di muri abbattuti e ferite suturate, lo spettacolo cambia passo e diventa qualcos'altro: non più una storia d'amore digitale, ma una prova di resistenza. 

Il cambiamento avviene nel silenzio tra un messaggio inviato e uno ricevuto, in quella frazione di secondo in cui l’uno attende che l’altro risponda. È lì, in quella pausa digitale, che il peso di anni di guerra si fa sentire con più forza di qualsiasi rappresentazione diretta. Questa è la scelta più riuscita dello spettacolo: tenere il conflitto quasi sullo sfondo per mostrarne gli effetti dentro i corpi, dentro i desideri, dentro le esitazioni di due ragazzi che, come tanti, si desiderano e non possono incontrarsi. 

L'amore come territorio senza frontiere

Boaz e George si incontrano su Grindr che diventa il punto di partenza dell’intera tesi drammaturgica. La app di incontri rappresenta il primo luogo in cui i confini geografici e politici non esistono: l’algoritmo non controlla i passaporti, la geolocalizzazione non chiede da che parte stai in una guerra. Quella che nasce tra loro è una relazione che sfida sia la frontiera di stato che la norma sociale, in due paesi in cui l'omosessualità è vissuta con intensità diverse ma con uguale difficoltà. 

I due interpreti, Daniele Alan Carter e Claudio Cammisa, rendono giustizia a questa doppia pressione mettendola a fuoco con misura e precisione: Boaz appare trattenuto e ironico per autodifesa, mentre George incarna una vulnerabilità più esposta, quasi ingenua. Insieme non cercano di commuovere e forse proprio per questo ci riescono, senza che lo spettatore se ne accorga. Le musiche originali di Luigi Mas, eseguite dal vivo, aiutano a vivere maggiormente il dramma tra i due amanti, accompagnando le loro oscillazioni emotive senza mai anticiparle o spiegarle. La regia di Enrico Maria Lamanna sceglie un approccio essenziale, concentrandosi sul rapporto tra i due attori e lasciando che sia il lavoro degli interpreti a guidare lo spettacolo. L’attenzione resta così focalizzata sulla parola e sulla relazione, elementi centrali di un testo che vive soprattutto di dialogo.

Il teatro politico dell'intimità

Nimrod Danishman appartiene a quel filone di drammaturgia politica contemporanea che ha compreso una cosa fondamentale: i grandi conflitti si capiscono meglio quando li si guarda dal basso. Confini non mette in scena la guerra israelo-libanese, ma qualcosa di più traumatico e intimo, ovvero ciò che la guerra fa alle persone quando abbassano la guardia, quando desiderano, quando sperano. La guerra è presente in ogni battuta anche se non viene mai nominata direttamente: si percepisce come una presenza ingombrante che occupa la scena senza mostrarsi, un terzo incomodo che il regista sceglie saggiamente di non esorcizzare, lasciandolo agire nel non detto, nel gesto trattenuto, nel silenzio che pesa quanto una parola.

Conclusioni 

Alla fine dello spettacolo resta una consapevolezza difficile da scrollarsi di dosso: i confini veri non sono soltanto le linee tracciate sulle mappe. Sono le narrazioni che costruiamo su noi stessi per difendere la nostra identità, le paure che ereditiamo senza accorgercene, le distanze che continuiamo a mantenere anche quando desideriamo avvicinarci. 

In questo senso, il teatro diventa l’unico luogo in cui queste barriere possono essere messe in discussione, interrogate e momentaneamente sospese. E Confini ci ricorda che, in un mondo che continua a erigere muri, ogni barriera, prima o poi, può essere attraversata.

Diana Della Mura

10 marzo 2026

Recensione della seconda compagnia de ‘Il Trovatore’ al teatro Verdi di Trieste.

Abbiamo recentemente chiuso la recensione del primo cast de ‘Il Trovatore’ allestito a Trieste promettendo che avremmo riferito, come sempre, del cast alternativo ma anche della recita ad Udine, che sarà la settimana prossima e che vedrà in campo gli interpreti titolari, alla fine di un buon ciclo di repliche, che pensiamo avranno rodato meglio lo spettacolo.

Cominciamo quindi con la replica che vede in campo Samuele Simoncini, Alessia Nadin, Chiara Mogini, Daniele Terenzi, Yongheng Dong.

Premessa è che anche in questa occasione è stato un grande successo di botteghino, tanti stranieri nel pubblico, molti applausi.

Da quello che leggiamo anche la critica titolata appare entusiasta di tutto e di tutti e quindi cominciando con  la dichiarazione della nostra difficoltà a recensire.

Evidente che non abbiamo capito nulla.

Recensione dello spettacolo Don Giovanni in scena al Teatro Sala Umberto di Roma dal 3 all’ 8 marzo 2026

Generalmente associato al nome di Mozart, il Don Giovanni non è solo il libretto di Da Ponte creato per il compositore austriaco, ma è anche la tragicommedia di Molière. Tre nomi importanti della storia del teatro e della musica mondiali, legati tra loro da un solo mito che Arturo Cirillo ha avuto l’ambizione e la capacità di far convivere in un unico testo senza che nessuno dei tre prevalesse sull’altro. Il suo Don Giovanni risulta uno spettacolo riuscito perché non è frutto di un mero collage fra testi, ma è una drammaturgia organica realizzata con la pazienza di chi il materiale lo studia da tempo: non c'è nulla di improvvisato. C'è invece la precisione di chi conosce ogni battuta del testo e ha scelto la strada meno ovvia.

Il Don Giovanni di Cirillo: quando Molière, Mozart e Da Ponte dialogano in un unico spettacolo

Fin dalle prime battute, c'è una domanda che risuona nell’aria: cosa succederebbe se Don Giovanni smettesse di sedurre e riuscisse a redimersi? La risposta, implicita in ogni gesto, in ogni pausa, in ogni risata, è che semplicemente non potrebbe. Il suo non è un vizio né libertinaggio: lui vive l’amore e la seduzione come un gioco, e senza questa recita perpetua Don Giovanni cesserebbe di esistere. Cirillo lo sa, e ha costruito il suo spettacolo esattamente intorno a questa consapevolezza: il suo Don Giovanni, infatti, non è un seduttore da punire, ma un uomo condannato alla propria libertà e destinato a morire di sé stesso.

Nel realizzare questo spettacolo, la scommessa drammaturgica di Cirillo è ambiziosa quanto rischiosa, ma è sicuramente vinta. È riuscito a far convivere tre padri nobili dello stesso mito, facendo confluire in un unico spettacolo l’anima di ciascuno per dar vita a un testo più fluido e contemporaneo. Dal commediografo francese ha mutuato la comicità paradossale e ossessiva, quel gusto per l'assurdo che a tratti evoca Beckett più che il Grand Siècle. Da Da Ponte ha tratto la vena poetica, quella drammatica leggerezza che solo il grande librettista veneziano sapeva giostrare con tale equilibrio. Di Mozart è inevitabilmente la musica, non come citazione né come sottofondo, ma come struttura emotiva dello spettacolo: le composizioni di Mario Autore dialogano con la melodia mozartiana, la rievocano senza imitarla, allestendo un paesaggio sonoro capace di essere festoso e funereo nel volgere di pochi minuti.